Como sempre, Gray usa tragédias pessoais para iluminar realidades políticas mais amplas. No filme sobre a maioridade “Armageddon Time”, ele traçou uma ligação direta entre as políticas racistas da era Reagan e a supremacia branca da era Trump. Em “Tigre de Papel”, ele capta um momento específico no meio da perestroika, quando a rápida abertura da economia soviética acelerou o alcance da máfia russa nos bairros americanos – e inaugurou a actual era de corrupção, ganância, destruição moral e ambiental. O senso de tempo e lugar de Gray combina com sua habilidade com as convenções de gênero; Entre os cenários do filme, em particular, está uma cena silenciosa e emocionante de homens perseguindo uns aos outros no que parece ser um milharal, lembrando uma sequência semelhante em “We Own the Night”. Gray pode estar re-cultivando o mesmo solo, mas há finais poéticos e viscerais: não pela primeira vez, ele nos mostra como transformar milho em ouro.
Será que o potencial excepcional da mais recente visão de Gray agradará os jurados deste ano? Não tenho certeza se isso o ajuda ou prejudica, já que ele está em uma inegável seqüência de derrotas, tendo exibido cinco filmes em competições anteriores, apenas para ver todos os cinco fracassarem. Há uma tendência muito comum entre os júris de festivais internacionais de ver qualquer filme americano, mesmo um tão bem elaborado como “Paper Tiger”, como algum tipo de produto industrial, insuficientemente inovador ou raro no âmbito de um evento de cinema de alta arte como Cannes. O contra-argumento a esse argumento é que o classicismo sofisticado de Grey é percebido, na atual Hollywood obcecada por IA e obcecada por franquias, como seu próprio gesto radicalmente subversivo.
Em Cannes deste ano, esse potencial radical ficou evidente. No primeiro dia do festival, um jornalista perguntou ao júri sobre o papel da política no cinema – uma questão que causou muita controvérsia no recente Festival Internacional de Cinema de Berlim, onde as conferências de imprensa foram repletas de perguntas sobre Gaza, Trump e a relação entre os acontecimentos no ecrã e os acontecimentos da vida real. O júri de Cannes parecia bem preparado para isso, especialmente o roteirista Paul Laverty, o mais importante colaborador de Ken Loach em décadas. “Em cada história, não importa qual seja, a questão do poder e como ele funciona e os valores dentro da história estão implícitos”, disse La Poor. “É como o ar que respiramos.” Ele mais ou menos ecoou as opiniões do presidente do júri, o diretor sul-coreano Park Chan-wook, que declarou simplesmente: “Não acho que arte e política devam ser separadas. Acho um conceito estranho pensar que elas entram em conflito uma com a outra.” No entanto, ele adverte contra deixar a política sobrecarregar arte: “Mesmo que façamos uma declaração política brilhante, se não for expressa de forma artística o suficiente, será apenas propaganda.”
Será interessante ver como Park e os seus colegas avaliam uma das obras mais bem recebidas do concurso, “Fatherland”, que fala dos usos políticos – e, por vezes, da total inutilidade – da arte e dos artistas, especialmente durante e após a guerra. O filme, o mais recente do diretor polonês Paweł Pawlikowski, segue o romancista Thomas Mann (Hanns Zischler) e sua filha Erika (Sandra Hüller) em uma viagem em 1949, pelas ruínas de uma Alemanha dividida e bombardeada. Mann, que vive nos Estados Unidos desde 1939, recebeu as boas-vindas de um herói literário: exilado por desafiar o regime nazista, agora é homenageado com um prêmio que leva o nome de Goethe, o poeta mais destacado de seu país. A celebração, realizada para comemorar o bicentenário de Goethe, levará a família Mann de Frankfurt, num Ocidente esquecido, a Weimar, no duro Oriente controlado pelos soviéticos. Ambas as cidades têm direito ao legado de Goethe – ele nasceu em Frankfurt, mas trabalhou principalmente e acabou por morrer em Weimar – e ambas as cidades também tentarão posicionar Mann como um símbolo do renascimento da Alemanha no pós-guerra.
